Para concluir este trabajo de los movimientos artisticos del siglo XIX y XX, voy a dejar una reflexión: Trabajar con dicho tema fue muy útil y entretenido. Sirvió mucho para aprender acerca de los diferentes tipos de movimientos que se encontraban en esos siglos con sus respectivas técnicas, temáticas, artistas representantes de cada movimiento y su contexto histórico.
Este último creo que es muy importante para poder comprender cada movimiento ya que influía mucho en las obras de los artistas. Algunos se veían respaldados por guerras, por lo que sus pinturas mostraban el terror de ellas y otras, por el contrario, muestran imágenes alegres.
El movimiento que más me gustó fue el op art ya que cada obra puede causar una reacción diferente en cada persona y el que más me impresionó fue el hiperrealismo porque las pinturas eran muy similares a una fotografía y es impresionante como una persona puede pintar hasta llegar a este punto.
martes, 7 de mayo de 2013
NEOEXPRESIONISMO
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.
Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.
Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros de dicho modo. El mundo al revés.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.
"Cena en Dresde"
En esta obra, mantiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.
Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros de dicho modo. El mundo al revés.
BIBLIOGRAFIA:
HIPERREALISMO
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
El hiperrealismo centra su atención en la temática cotidiana y urbana, reflejada de forma fiel e impersonal, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, paisajes, bodegones.
El interés principal del hiper-realismo es replicar a la realidad de la forma más transparente posible, evitando que en las obras se evidencie la intervención del artista. Es un movimiento que tiene su auge en los años 70, aunque aún existen artistas trabajando en esos términos. Como ejemplo en pintura, tienes a la obra de Chuck Close, que toma fotografías de rostros, por lo general, y luego las reproduce, magnificadas, con su pincel.
Los principales representantes de esta tendencia pictórica son Louis Meisel, Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes. En España el más conocido internacionalmente es el pintor y escultor Antonio López García junto con Eduardo Naranjo y Cristobal Toral. A este selecto grupo se ha unido por méritos propios Juan Bautista Nieto.
BIBLIOGRAFIA:
El hiperrealismo centra su atención en la temática cotidiana y urbana, reflejada de forma fiel e impersonal, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, paisajes, bodegones.
El interés principal del hiper-realismo es replicar a la realidad de la forma más transparente posible, evitando que en las obras se evidencie la intervención del artista. Es un movimiento que tiene su auge en los años 70, aunque aún existen artistas trabajando en esos términos. Como ejemplo en pintura, tienes a la obra de Chuck Close, que toma fotografías de rostros, por lo general, y luego las reproduce, magnificadas, con su pincel.
Los principales representantes de esta tendencia pictórica son Louis Meisel, Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes. En España el más conocido internacionalmente es el pintor y escultor Antonio López García junto con Eduardo Naranjo y Cristobal Toral. A este selecto grupo se ha unido por méritos propios Juan Bautista Nieto.
"Gran autorretrato"
Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 m por 2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968. Produjo otros siete retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que mencionó utilizar pintura tan diluída en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con un único tubo de acrílico negro.BIBLIOGRAFIA:
ARTE ÓPTICO
El Arte Óptico
es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958,
conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical
Art.
En las obras de op art el observador participa activamente
moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente,
por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras.
Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o
sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos,
los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras;
también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados,
triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra
Mundial aparece una
nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar
con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud
activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando
el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época
el centro del arte es, definitivamente, Nueva York. En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve,Doble
metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard
Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón.
VEGA MULTI” DE VICTOR VASARELY
Busca generar, tal como su nombre lo indica, un efecto óptico, a través de la repetición sistemática de cuadrados y su deformación. Al dilatar el cuadrado base surge una forma convexa; en cambio al encoger el cuadrado base, surge una forma cóncava. Sobre ellos es aplicada una gama cromática basada en colores pasteles, tales como azul, rojo, amarillo y verde, en un fondo negro. Su punto caliente está en el centro de la composición a modo de volumen esférico.
BIBLIOGRAFIA:
es.wikipedia.org
my.opera.com
ARTE POP
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.
“Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte.
BIBLIOGRAFIA:
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.
“Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte.
BIBLIOGRAFIA:
SURREALISMO
El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – Ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – Ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
En La persistencia de la memoria, notamos primeramente
un contraste de consistencias, resaltando sobre un paisaje realista. Hay un
retrato blando de Dalí que yace sobre rocas, y un extraño bloque como duro
contraste a la blandura del reloj que se escurre, que se derrite sobre él, y
contrastando además con esa cabeza blanda. El reloj que se derrite sobre el
bloque enfatiza la diferencia de sustancias, otro más cuelga de un árbol muerto,
mientras un tercero lo hace sobre el rostro blando de Dalí, de igual forma,
vencido por el tiempo.
BIBLIOGRAFIA:
DADAÍSMO
En un periodo de frenética imaginación creativa -los primeros veinte años del siglo XX- nace,
concretamente, entre 1915 y 1917, el movimiento dadaísta. Tanto el futurismo como el expresionismo, el surrealismo y las otras tendencias de nuestro siglo representan, más que una actitud deliberada, la expresión de una forma particular del ser, de reaccionar frente la experiencia vital. Entre estos movimientos el dadaísmo es el que reacciona de manera más violenta y extremista, cuestionando todos los valores estéticos y éticos tradicionales que, según los criterios de sus militantes, habían llevado a la civilización occidental a la barbarie y al horror de la primera guerra mundial.
Características:
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).
- Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
- Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
- Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
- Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
- Motivaciones de disociación.
- Auge del disparate.
- Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).
- Eliminación de la composición clásica.
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
- Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Francis Picabia, Marcel Duchamp, Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber.
Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
"Desnudo bajando una escalera" muestra una figura humana en movimiento, en un estilo inspirado en las ideas sobre la de construcción cubista de las formas. No hay nada en ella que parece una anatomía desnuda, sólo líneas abstractas y aviones. Las líneas indican sus posiciones sucesivas estáticas y crean un sentido rítmico de los movimientos; los planos y las sombras dan profundidad y volumen a su forma.
Es de destacar que fue una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando de una escalera son íconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dadaísmo, en lo que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces.
concretamente, entre 1915 y 1917, el movimiento dadaísta. Tanto el futurismo como el expresionismo, el surrealismo y las otras tendencias de nuestro siglo representan, más que una actitud deliberada, la expresión de una forma particular del ser, de reaccionar frente la experiencia vital. Entre estos movimientos el dadaísmo es el que reacciona de manera más violenta y extremista, cuestionando todos los valores estéticos y éticos tradicionales que, según los criterios de sus militantes, habían llevado a la civilización occidental a la barbarie y al horror de la primera guerra mundial.
Características:
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).
- Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
- Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
- Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
- Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
- Motivaciones de disociación.
- Auge del disparate.
- Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).
- Eliminación de la composición clásica.
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
- Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Francis Picabia, Marcel Duchamp, Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber.
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
"Desnudo bajando una escalera" muestra una figura humana en movimiento, en un estilo inspirado en las ideas sobre la de construcción cubista de las formas. No hay nada en ella que parece una anatomía desnuda, sólo líneas abstractas y aviones. Las líneas indican sus posiciones sucesivas estáticas y crean un sentido rítmico de los movimientos; los planos y las sombras dan profundidad y volumen a su forma.
Es de destacar que fue una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando de una escalera son íconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dadaísmo, en lo que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces.
BIBLIOGRAFIA:
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