Para concluir este trabajo de los movimientos artisticos del siglo XIX y XX, voy a dejar una reflexión: Trabajar con dicho tema fue muy útil y entretenido. Sirvió mucho para aprender acerca de los diferentes tipos de movimientos que se encontraban en esos siglos con sus respectivas técnicas, temáticas, artistas representantes de cada movimiento y su contexto histórico.
Este último creo que es muy importante para poder comprender cada movimiento ya que influía mucho en las obras de los artistas. Algunos se veían respaldados por guerras, por lo que sus pinturas mostraban el terror de ellas y otras, por el contrario, muestran imágenes alegres.
El movimiento que más me gustó fue el op art ya que cada obra puede causar una reacción diferente en cada persona y el que más me impresionó fue el hiperrealismo porque las pinturas eran muy similares a una fotografía y es impresionante como una persona puede pintar hasta llegar a este punto.
martes, 7 de mayo de 2013
NEOEXPRESIONISMO
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.
Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.
Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros de dicho modo. El mundo al revés.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.
"Cena en Dresde"
En esta obra, mantiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.
Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros de dicho modo. El mundo al revés.
BIBLIOGRAFIA:
HIPERREALISMO
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
El hiperrealismo centra su atención en la temática cotidiana y urbana, reflejada de forma fiel e impersonal, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, paisajes, bodegones.
El interés principal del hiper-realismo es replicar a la realidad de la forma más transparente posible, evitando que en las obras se evidencie la intervención del artista. Es un movimiento que tiene su auge en los años 70, aunque aún existen artistas trabajando en esos términos. Como ejemplo en pintura, tienes a la obra de Chuck Close, que toma fotografías de rostros, por lo general, y luego las reproduce, magnificadas, con su pincel.
Los principales representantes de esta tendencia pictórica son Louis Meisel, Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes. En España el más conocido internacionalmente es el pintor y escultor Antonio López García junto con Eduardo Naranjo y Cristobal Toral. A este selecto grupo se ha unido por méritos propios Juan Bautista Nieto.
BIBLIOGRAFIA:
El hiperrealismo centra su atención en la temática cotidiana y urbana, reflejada de forma fiel e impersonal, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, paisajes, bodegones.
El interés principal del hiper-realismo es replicar a la realidad de la forma más transparente posible, evitando que en las obras se evidencie la intervención del artista. Es un movimiento que tiene su auge en los años 70, aunque aún existen artistas trabajando en esos términos. Como ejemplo en pintura, tienes a la obra de Chuck Close, que toma fotografías de rostros, por lo general, y luego las reproduce, magnificadas, con su pincel.
Los principales representantes de esta tendencia pictórica son Louis Meisel, Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes. En España el más conocido internacionalmente es el pintor y escultor Antonio López García junto con Eduardo Naranjo y Cristobal Toral. A este selecto grupo se ha unido por méritos propios Juan Bautista Nieto.
"Gran autorretrato"
Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 m por 2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968. Produjo otros siete retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que mencionó utilizar pintura tan diluída en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con un único tubo de acrílico negro.BIBLIOGRAFIA:
ARTE ÓPTICO
El Arte Óptico
es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958,
conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical
Art.
En las obras de op art el observador participa activamente
moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente,
por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras.
Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o
sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos,
los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras;
también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados,
triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra
Mundial aparece una
nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar
con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud
activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando
el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época
el centro del arte es, definitivamente, Nueva York. En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve,Doble
metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard
Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón.
VEGA MULTI” DE VICTOR VASARELY
Busca generar, tal como su nombre lo indica, un efecto óptico, a través de la repetición sistemática de cuadrados y su deformación. Al dilatar el cuadrado base surge una forma convexa; en cambio al encoger el cuadrado base, surge una forma cóncava. Sobre ellos es aplicada una gama cromática basada en colores pasteles, tales como azul, rojo, amarillo y verde, en un fondo negro. Su punto caliente está en el centro de la composición a modo de volumen esférico.
BIBLIOGRAFIA:
es.wikipedia.org
my.opera.com
ARTE POP
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.
“Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte.
BIBLIOGRAFIA:
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.
“Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte.
BIBLIOGRAFIA:
SURREALISMO
El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – Ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – Ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
En La persistencia de la memoria, notamos primeramente
un contraste de consistencias, resaltando sobre un paisaje realista. Hay un
retrato blando de Dalí que yace sobre rocas, y un extraño bloque como duro
contraste a la blandura del reloj que se escurre, que se derrite sobre él, y
contrastando además con esa cabeza blanda. El reloj que se derrite sobre el
bloque enfatiza la diferencia de sustancias, otro más cuelga de un árbol muerto,
mientras un tercero lo hace sobre el rostro blando de Dalí, de igual forma,
vencido por el tiempo.
BIBLIOGRAFIA:
DADAÍSMO
En un periodo de frenética imaginación creativa -los primeros veinte años del siglo XX- nace,
concretamente, entre 1915 y 1917, el movimiento dadaísta. Tanto el futurismo como el expresionismo, el surrealismo y las otras tendencias de nuestro siglo representan, más que una actitud deliberada, la expresión de una forma particular del ser, de reaccionar frente la experiencia vital. Entre estos movimientos el dadaísmo es el que reacciona de manera más violenta y extremista, cuestionando todos los valores estéticos y éticos tradicionales que, según los criterios de sus militantes, habían llevado a la civilización occidental a la barbarie y al horror de la primera guerra mundial.
Características:
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).
- Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
- Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
- Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
- Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
- Motivaciones de disociación.
- Auge del disparate.
- Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).
- Eliminación de la composición clásica.
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
- Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Francis Picabia, Marcel Duchamp, Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber.
Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
"Desnudo bajando una escalera" muestra una figura humana en movimiento, en un estilo inspirado en las ideas sobre la de construcción cubista de las formas. No hay nada en ella que parece una anatomía desnuda, sólo líneas abstractas y aviones. Las líneas indican sus posiciones sucesivas estáticas y crean un sentido rítmico de los movimientos; los planos y las sombras dan profundidad y volumen a su forma.
Es de destacar que fue una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando de una escalera son íconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dadaísmo, en lo que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces.
concretamente, entre 1915 y 1917, el movimiento dadaísta. Tanto el futurismo como el expresionismo, el surrealismo y las otras tendencias de nuestro siglo representan, más que una actitud deliberada, la expresión de una forma particular del ser, de reaccionar frente la experiencia vital. Entre estos movimientos el dadaísmo es el que reacciona de manera más violenta y extremista, cuestionando todos los valores estéticos y éticos tradicionales que, según los criterios de sus militantes, habían llevado a la civilización occidental a la barbarie y al horror de la primera guerra mundial.
Características:
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).
- Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
- Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
- Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
- Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
- Motivaciones de disociación.
- Auge del disparate.
- Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).
- Eliminación de la composición clásica.
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
- Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Francis Picabia, Marcel Duchamp, Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber.
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
"Desnudo bajando una escalera" muestra una figura humana en movimiento, en un estilo inspirado en las ideas sobre la de construcción cubista de las formas. No hay nada en ella que parece una anatomía desnuda, sólo líneas abstractas y aviones. Las líneas indican sus posiciones sucesivas estáticas y crean un sentido rítmico de los movimientos; los planos y las sombras dan profundidad y volumen a su forma.
Es de destacar que fue una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando de una escalera son íconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dadaísmo, en lo que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces.
BIBLIOGRAFIA:
ARTE ABSTRACTO
El arte abstracto nació en la segunda década del siglo XX. Su origen se debe, principalmente, a la reacción en contra del imperialismo, ya que nació en un contexto de circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los más importantes fenómenos de la historia del Arte.
Las características del arte abstracto son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independientes del mundo real, de los Modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.
Dentro de esta tendencia, cada artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer libremente.
El abstracto geométrico se hace por medio de formas geométricas, Kandinsky
El abstracto gestual, por medio de trazos y manchas. Pollock
Los principales representantes del abstractismo son Paul Klee, Wassily Kandinsky, Armando Barrios, Hugo Baptista, Francisco Hung, Enrique Ferrer, Piet Mondrian, The Van Deosburg, Mercedes Pardo, Pedro Briceño, Vladimir Tatlin, Aleksander Roschenko, Kazimir Malévisch, etc.
Vasili Kandinski o Wassily Kandinsky (ruso: Васи́лий Васи́льевич Канди́нский,Vasili Vasílievich Kandinski) (Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
Wassily Kandinsky se preparó durante meses desarrollando diversas ideas pictóricas en dibujos, grabados, acuarelas y óleos. Con las ideas más o menos claras, encargó un bastidor de 2 x 3 metros y entre el 26 y el 29 de noviembre de 1913, en poco menos de cuatro días obró el milagro. Realizó una pintura a la que tituló “Composición VII”, la séptima de sus únicas diez composiciones. Prueba del procedimiento conceptual del pintor es que a lo largo de los cuatro días, hizo que su compañera Gabriele Münter tomara fotografías para documentar cada paso de la composición. Kandinsky quiso conservar el proceso creativo de una pintura tan premeditada e importante para él, e ilustrar la obra a la luz de la teoría y del público. Pensaba en la posteridad.
Las fotografías muestran como quedan ocupados en primer lugar, el margen inferior izquierdo y el centro de “Composición VII”. Las partes restantes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.
Las características del arte abstracto son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independientes del mundo real, de los Modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.
Dentro de esta tendencia, cada artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer libremente.
El abstracto geométrico se hace por medio de formas geométricas, Kandinsky
El abstracto gestual, por medio de trazos y manchas. Pollock
Los principales representantes del abstractismo son Paul Klee, Wassily Kandinsky, Armando Barrios, Hugo Baptista, Francisco Hung, Enrique Ferrer, Piet Mondrian, The Van Deosburg, Mercedes Pardo, Pedro Briceño, Vladimir Tatlin, Aleksander Roschenko, Kazimir Malévisch, etc.
Vasili Kandinski o Wassily Kandinsky (ruso: Васи́лий Васи́льевич Канди́нский,Vasili Vasílievich Kandinski) (Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
Las fotografías muestran como quedan ocupados en primer lugar, el margen inferior izquierdo y el centro de “Composición VII”. Las partes restantes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.
domingo, 5 de mayo de 2013
FUTURISMO
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que
surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en
Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico
parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama
el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte
anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al
espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las
grandes ciudades.
El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el
movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la
exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que
fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el
academicismo.
Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes
técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del
neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada
del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo
elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza,
intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de
frente y dorso de la figura (Simultaneismo).
Particularidades:
- Exaltación de la originalidad.
- Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
- Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
- Utilización de formas y colores para generar ritmos.
- Colores resplandecientes
- Transparencias
- Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).
- Exaltación de la originalidad.
- Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
- Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
- Utilización de formas y colores para generar ritmos.
- Colores resplandecientes
- Transparencias
- Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).
Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de
octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de
agosto de 1916)
fue un pintor y escultor italiano, teórico y
uno de los principales exponente del movimiento futurista.
BIBLIOGRAFIA:
sábado, 4 de mayo de 2013
CUBISMO
FAUVISMO
Material: Oleo sobre lienzo.
La obra representa el retrato de la esposa de Matisse, un retrato duro y colorista que define a la perfección el momento por el que el autor se identifica con sus “fauves” sus composiciones preferidas, sus fieras particulares. La mujer, seria y en posición de posar para el retrato, desvía ligeramente su mirada del frontal del cuadro, ofreciendo un aspecto de tranquilidad y al mismo tiempo de tensión. Lo más importante de la composición es el juego de líneas y de colores que definen el retrato, líneas que definen bruscamente el límite de las formas de la cara y el vestido, y colores poco mezclados, dibujados con aparente falta de orden, y con falta de sentido común en la aplicación. Destaca sobre todo la famosa raya verde que da título al cuadro, y que delimita de una forma brusca los dos lados de la cara. Y que para definir la zona más iluminada de la más obscura se emplean dos colores como el naranja y el rosa , que no se corresponden con una representación naturalista de un retrato.
EXPRESIONISMO
El Expresionismo nace pocos años antes de la segunda guerra
mundial y perdura hasta que esta termina, nace en la Europa oriental y rápidamente
se extendió por el mundo hasta llegar a norte América donde el presidente
Roosevelt inicio un programa de fomentación del arte donde los artistas podían
acceder a un sueldo a cambio de todas las obras que crearan cada mes, mientras
tanto en Alemania las obras expresionistas eran perseguidas por el nacional
socialismo (movimiento nazi) ya que eran consideradas arte impura, por otro
lado desde el punto de vista del diseño grafico el expresionismo fue una gran
herramienta publicitaria ya que por el impacto de sus colores y los
sentimientos que transmitía las piezas publicitarias que eran creadas con este
tipo de arte generaban fuertes impactos a las masas, gracias a esto salieron a
la luz grandes cartelistas expresionistas (principalmente polacos) como Henryk
Tomaszeusski, quienes vendían sus obras como parte de la publicidad de obras de
teatro o películas de la época.
El Expresionismo es una corriente artística que busca la
expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la
representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las
circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la
alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes
ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más
íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su
estética.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria,
el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e
intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y
del periodo de entreguerra (1918-1939).
Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas
dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El
expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la
expresión subjetiva, el irracionalismo,
el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico
o pervertido–.
Los expresionistas utilizaban colores fuertes y puros,
colocados en la tela para provocar distorsión de sus líneas y de las figuras
que forman, pero su disposición en la tela refleja un simbolismo que va más
allá de las líneas simples. Destacan en sus pinturas los colores azul, amarillo
y verde para contrastar con la simplicidad del blanco y el negro. Son
frecuentes los rostros desfigurados y tristes. O motivos de la naturaleza.
Las características técnicas son: El drip: Es la aplicación directa de la pintura al lienzo colocado en el suelo. Este método inmediato y directo fue creado por Pollock.
Action painting: Consiste en derrochar grandes manchas de color en el lienzo.
La improvisación y la espontaneidad.
Las características técnicas son: El drip: Es la aplicación directa de la pintura al lienzo colocado en el suelo. Este método inmediato y directo fue creado por Pollock.
Action painting: Consiste en derrochar grandes manchas de color en el lienzo.
La improvisación y la espontaneidad.
Uno de sus principales representantes fue Munch.
Edvard Munch (Løten12 de
diciembre de 1863 - Ekely, 23 de enero de1944) fue un pintor y grabador noruego
de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la
angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.
El cuadro de Munch resulta el gesto más expresivo del arte
contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía
ante el fin de siglo y la transición al siglo XX. Munch nos habla de sus
sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí, temblando de miedo. Y
sentí un grito fuerte e infinito perforando la naturaleza". Estas frases
tremendas nos hablan de una hipersensibilidad del autor que con la realización
de este cuadro se convierte en altavoz de la angustia existencial que
caracteriza el pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas. La situación
personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad
depresiva y traumatizado por su relación con las mujeres, a quienes odia
fervorosamente y se ocupa de retratar lo más tétricamente posible, en el
momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su madre.
Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a
emitir este grito visceral. El simbolismo de la imagen es patente en el rostro
agitado del protagonista en primer plano, que es casi una calavera que se
aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. El empleo de los
colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente
simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del
autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos,
lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una
violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla.
Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo
intentan expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional. Este rasgo
es lo que incluye a Munch en la senda de otros pintores de simbolismo
visionario y expresivo en una tendencia intemporal denominada Expresionismo.
viernes, 3 de mayo de 2013
NEOIMPRESIONISMO
Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas y los Puntillistas. Se trata de un impresionismo radical, en cierta manera disidente, que lleva a las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color y la luz.
Los temas elegidos a la hora de pintar eran: puertos, orillas de ríos y escenas circenses.
Características:
· Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color.
· Las figuras se hacen geométricas.
· No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro, sino que se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos
· En el puntillismo la imagen va a adquirir una identidad desconocida.
· Se encuentra nuevamente la diferencia entre la obra definitiva y el boceto.
· La obra se comienza al aire libre, pero a diferencia del impresionismo se termina en el taller, ya que sus cuadros requieren una larga elaboración, en ocasiones muy compleja, que no se puede hace en un momento.
· Se preocupan por el volumen.
· La obra resultante suele pecar de rigidez y artificialidad.
· Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. Existe la sensación de que la luz emana de los cuerpos.
· Según los puntillistas las líneas ascendentes, los colores cálidos y los valores claros expresaban alegría. Por el contrario las líneas descendentes, los colores fríos y los valores oscuros representaban tristeza.
· Los cuadros puntillistas son un modelo de orden, claridad y planificación cuidadosa. No obstante, las personas aparecen estáticas e inmóviles.
Dos representantes de los más destacados del neoimpresionismo fueron: Georges Seurat y Paul Signac.
Los temas elegidos a la hora de pintar eran: puertos, orillas de ríos y escenas circenses.
Características:
· Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color.
· Las figuras se hacen geométricas.
· No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro, sino que se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos
· En el puntillismo la imagen va a adquirir una identidad desconocida.
· Se encuentra nuevamente la diferencia entre la obra definitiva y el boceto.
· La obra se comienza al aire libre, pero a diferencia del impresionismo se termina en el taller, ya que sus cuadros requieren una larga elaboración, en ocasiones muy compleja, que no se puede hace en un momento.
· Se preocupan por el volumen.
· La obra resultante suele pecar de rigidez y artificialidad.
· Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. Existe la sensación de que la luz emana de los cuerpos.
· Según los puntillistas las líneas ascendentes, los colores cálidos y los valores claros expresaban alegría. Por el contrario las líneas descendentes, los colores fríos y los valores oscuros representaban tristeza.
· Los cuadros puntillistas son un modelo de orden, claridad y planificación cuidadosa. No obstante, las personas aparecen estáticas e inmóviles.
Dos representantes de los más destacados del neoimpresionismo fueron: Georges Seurat y Paul Signac.
Tarde de domingo en la Grande Jatte
Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehizo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2 x 3 m. Fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886.
Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera clara. de esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.
Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat.
BIBLIOGRAFÍA:
Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera clara. de esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.
Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat.
BIBLIOGRAFÍA:
martes, 16 de abril de 2013
POSTIMPRESIONISMO
El postimpresionismo es un
término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales
del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue
acuñado por Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne,
Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres. Este término engloba
diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo
y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este.
La temática de este movimiento eran los paisajes, bodegones, retratos, flores, etc. No
le interesa el tema en sí, sino la esencia geométrica de lo representado.
Las características principales del Postimpresionismo
son:
·
Se concibe el arte como una actividad
específica con reglas y realidad propia, distinto al entendimiento del arte
como reproducción ilusoria de la realidad.
·
Interés por la construcción de la forma, el
dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
·
Conciliación entre efecto volumétrico
(conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había
desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético.
·
Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente
geométricos.
·
Se elimina la perspectiva en profundidad, se
descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos; se
crea la teoría científica de los colores denominada cromoluminarismo.
·
Empleo de colores contrastantes para
distendir y definir los planos y formas.
·
Efectos pictóricos basados en búsquedas
estructurales, espaciales y cromáticas.
·
Utilización de colores puros con gran carga
emotiva y modulados.
·
Creaciones imaginativas a base de pinceladas
cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior.
·
Interés por lo exótico y los bajos fondos.
·
Creación de composiciones simplificadas y
estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles
bien ceñidos.
Los pintores postimpresionistas
Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...
Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.
Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...
Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.
La noche estrellada de Van Gogh es un cuadro que muestra la
vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó
hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de
memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes
del suicidio de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerado como elmagnum opus de van
Gogh, el cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo una de sus
obras más conocidas.
BIBLIOGRAFÍA:
IMPRESIONISMO
El impresionismo se presenta como una
prolongación del realismo. Nace bajo su influencia y adopta, como él, los temas de la
vida cotidiana. Se sitúa en la cumbre de los estudios pictóricos sobre la luz
que se vienen llevando a cabo desde el renacimiento, y propone cuadros luminosos en antítesis con los sepias
consagrados por la tradición.
Este movimiento surge en Francia
alrededor del año 1870 durante una evolución política, el gran capitalismo y la
II Revolución Industrial.
La temática del impresionismo es el paisaje campestre. Natural, rural y el
jardín. Paisaje urbano. La vida social burguesa, su intimidad y sus
diversiones. Retratos y bodegones.
El paisaje impresionista por excelencia tiene ciertas características
identificables: es de tamaño relativamente pequeño e irregular en cuanto a la composición,
y por lo general en su mayor parte se realizaba al aire libre; sus colores son casi siempre brillantes y contrastantes, la
pincelada libre e intuitiva. La discusión de estos factores, unida a una consideración
del impresionismo dentro de sus contexto histórico y sobre el fondo del ambiente intelectual y social, nos puede llevar a definir la naturaleza y al alcance genuinos de este movimiento. Los impresionistas se preocupaban por captar el
instante, por la teoría del color, la claridad, la pincelada y la inconcreción.
Los artistas más destacados del
impresionismo son Manet, Monet, Degas, Renoir, entre otros como Pisarro o
Sisley.
Impresión, sol
naciente fue
pintado por Monet durante una breve estancia en El Havre en 1873. El cuadro se
presentó al año siguiente en la primera exposición de la Sociedad Anónima de
Pintores — muestra alternativa al tradicional Salón que dependía del estado — y
que acogía a todos aquellos artistas deseosos de una renovación profunda de las
artes. El lienzo motivó que el periodista Louis Leroy escribiera poco después
un artículo burlón en el que definía a aquellos pintores como “impresionistas”,
término que caracterizó definitivamente al nuevo grupo. La reacción de Leroy
fue comprensible porque la pintura de Monet violaba numerosas convenciones
artísticas. Ciertamente, la obra parece un esbozo debido a que su pincelada
suelta no define lo que representa.
Oscar-Claude
Monet (14 de
noviembre de 1840 en París - 5 de
diciembre de 1926 en Giverny)
fue uno de los fundadores de la pintura impresionista.
El término Impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente creada en 1872.
Sus primeras
obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas de
estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860
comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época,
que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la
vez que afianzó su decisión de continuar es ese azaroso camino.
BIBLIOGRAFÍA:
domingo, 14 de abril de 2013
REALISMO
El Realismo surge en Europa a partir de 1848 con la revolución obrera, cuando se observa un alejamiento progresivo de las formas de vida y mentalidad románticas. A partir de esemomento, los movimientos revolucionarios van adquiriendo cada vez más importancia. Por otraparte la burguesía consolida su poder y deriva hacia posturas cada vez más conservadoras, lo cual provoca la aparición de gobiernos de este mismo signo.
La manera cómo se materializa este principio básico varía desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Mollet. En cualquier caso, todos comparten la radicalidad de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está sometida a reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las medidas de los cuadros tiene que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores realistas defienden una pintura sin argumento, una captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen y el sonido, y no su desarrollo narrativo.
La caracterización más importante del realismo y su efecto el naturalismo está en que el mismo mira la realidad como expresión de un mensaje, unas veces de carácter social, otras de orden ontológico, otras de orden individual.
El realista usa la paleta limitada o vigorosa, figuras de moldeado sólido y severo; gruesos trazados de pinturas muy empasatada (aplicada con espátula). El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el realismo no puede idealizar. El manifiesto se basa en que la única fuente de inspiración en el arte es la realidad; no admite ningún tipo de belleza pre-cincebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducirla sin embellecerla.
Entre los artistas más destacados de este período se encuentran Courbet, Corot, Millet, Daumier, Jules Bretón, T. Rousseau y Gerome.
Las espigadoras es un cuadro del pintor francés, Millet. Pintado al óleo, realizado en 1857, es una representación realista de mujeres espigando. La pintura es famosa por mostrar de una manera muy humanista la realidad de la sociedad rural del siglo XIX, lo que fue mal recibido por la clase alta francesa. El cuadro actualmente se encuentra en exhibición permanente en el Museo de Orsay en París.
Jean-François Millet (4 de octubre de 1814 - 20 de enero de 1875) fue un pintor frances y uno de los fundadores de la escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de granjeros campesinos, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Se le incluye en los movimientos realista y naturalista.
La manera cómo se materializa este principio básico varía desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Mollet. En cualquier caso, todos comparten la radicalidad de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está sometida a reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las medidas de los cuadros tiene que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores realistas defienden una pintura sin argumento, una captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen y el sonido, y no su desarrollo narrativo.
La caracterización más importante del realismo y su efecto el naturalismo está en que el mismo mira la realidad como expresión de un mensaje, unas veces de carácter social, otras de orden ontológico, otras de orden individual.
El realista usa la paleta limitada o vigorosa, figuras de moldeado sólido y severo; gruesos trazados de pinturas muy empasatada (aplicada con espátula). El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el realismo no puede idealizar. El manifiesto se basa en que la única fuente de inspiración en el arte es la realidad; no admite ningún tipo de belleza pre-cincebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducirla sin embellecerla.
Entre los artistas más destacados de este período se encuentran Courbet, Corot, Millet, Daumier, Jules Bretón, T. Rousseau y Gerome.
Las espigadoras es un cuadro del pintor francés, Millet. Pintado al óleo, realizado en 1857, es una representación realista de mujeres espigando. La pintura es famosa por mostrar de una manera muy humanista la realidad de la sociedad rural del siglo XIX, lo que fue mal recibido por la clase alta francesa. El cuadro actualmente se encuentra en exhibición permanente en el Museo de Orsay en París.
Jean-François Millet (4 de octubre de 1814 - 20 de enero de 1875) fue un pintor frances y uno de los fundadores de la escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de granjeros campesinos, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Se le incluye en los movimientos realista y naturalista.
BIBLIOGRAFÍA:
domingo, 7 de abril de 2013
ROMANTICISMO
El Romanticismo (1820) es hijo de La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe y la Razón. Como consecuencia, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una forma de sentir. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas; creían que el arte debe sustentar emociones. El romanticismo es un movimiento artístico y literario de principios del siglo XIX, que dio fuerza, emoción, libertad e imaginación a la clásica corrección de las formas de arte, fue una rebelión contra las convenciones sociales.
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza , 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828), fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética.
Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías. La textura comienza a ser valorada y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad. Desaparece la línea frente al color y se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral. Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos.
En cuanto a los temas lo característico es la variedad. Surge el exotismo de la memoria de un misterioso y glorioso pasado. El gótico es el estilo por excelencia recogiendo arquitecturas, leyendas, momentos históricos, etc. Por último la fantasía, y sobre todo el drama con un obsesivo sabor por la muerte, la noche y las ruinas, así como por los monstruos y las criaturas anormales. Otro gran descubrimiento del Romanticismo es la Naturaleza y el cultivo del género del paisaje. Se pintan paisajes fantásticos.
Entre sus máximos exponentes se encuentran Géricault y Delacroix, los ingleses Constable y Turner, el germano Friedrich; además de Ingrex, Perez, Goya y Alenza.
El Coloso (1808-1812), también conocido como El gigante, El pánico y La tormenta, es un cuadro tradicionalmente atribuido a Francisco de Goya en el que un gigante de tamaño colosal se yergue tras unos montes, rodeado de nubes y con los puños en alto. Parece adoptar una postura combativa a juzgar por la posición del brazo y el puño cerrado. El cuadro fue pintado durante la Guerra de la Independencia española, por lo que podría simbolizar dicho enfrentamiento bélico.
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza , 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828), fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
FUENTES BIBLIOGRÁFICAS:
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